Selma: El poder de un sueño

7.5
Esta crónica sobre la lucha del político y activista Martin Luther King Jr. (David Oyelowo) en defensa de los derechos civiles se centra en la marcha desde Selma a Montgomery (Alabama), en 1965, que llevó al presidente Lyndon B. Johnson (Tom Wilkinson) a aprobar la ley sobre el derecho al voto de los ciudadanos negros. Selma: El poder de un sueño Critica: La conexión histórica entre los sucesos que narra la película y las recientes protestas en Estados Unidos es el principal atractivo de una película que gira en torno a la figura de Martin Luther King. Sin necesidad de abarcar toda su vida, la directora Ava DuVernay consigue hacer un certero retrato de su figura a través de un único pasaje de su vida, no tanto en lo personal como en lo profesional, representándolo como un gran estratega político, y reforzado además por la intachable interpretación de David Oyelowo. Sin embargo, a Selma le resultará difícil encontrar a su público fuera de Estados Unidos o enganchar a quien no esté especialmente interesado por el tema en cuestión, porque más allá de recrear unos sucesos históricos de forma impoluta, es incapaz de transmitir la urgencia, el nervio o la emoción de los momentos críticos, abordados desde el mismo enfoque que se ha utilizado para todas las películas sobre problemas raciales. Sí, 12 años de esclavitud era más efectista, pero también mucho más efectiva. Uno de los grandes motivos por los que Selma no llega adonde tiene que llegar es su obsesión por los discursos. Pierdo la cuenta de los discursos que da Luther King durante las dos horas de la película y resoplo cada vez que sus compañeros se suman al carro y recitan exaltados monólogos, unos compañeros a los que, por cierto, no se les define tan bien en la película como para que nos interesemos por ellos cuando en el desenlace aparecen las explicaciones sobre qué fue de ellos después. El presidente Johnson (Tom Wilkinson) y el gobernador de Alabama (Tim Roth) son retratados como los opresores blancos malvados, sin apenas matices, y para ser una película dirigida por una mujer, el sector femenino está reducido casi al mínimo: Coretta Scott King (Carmen Ejogo) queda representada como una esposa celosa y apocada, la luchadora por los derechos civiles Diane Nash se limita a ser una figurante con dos o tres líneas (desaprovechando así a Tessa Thompson, una joven actriz en alza) y Oprah Winfrey se reserva un anecdótico papel de mujer apaleada para involucrarse más en su labor como productora. En definitiva, Martin Luther King es el único que sale bien parado en esta película de muy buenas intenciones pero resultados infructuosos.
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Alelí

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AL de Alba y Alfredo, E de Ernesto y LI de Lilián. Las iniciales de todos forman el nombre que cuelga al frente de la casa de playa: ALELÍ. De todos menos de Silvana, que nació́ tarde. Después de la muerte del padre de los Mazzotti, la venta de la casa es inminente. A raíz de un inesperado retraso en la ejecución de la venta, la familia se embarca en un fin de semana de ira desenfrenada, voluntades encontradas, nostalgia no resuelta, sillas de playa, flores de Bach y encontronazos con la ley. Un fin de semana en el que todos chocarán entre sí, figurativa y literalmente hablando. Critica: Una vez más estoy gratamente sorprendida por el cine uruguayo que sabe presentar temas simples de la vida cotidiana y visibilizar su trascendencia. En este caso se trata de una familia común y corriente y, sin embargo, llena de peculiaridades, que la directora supo mostrar a través de las virtudes, defectos y manías de cada integrante. Pero además supo sintetizar cómo el amor generado en la infancia, fruto de la convivencia familiar, no se puede soslayar a pesar de las enormes diferencias que con los años se van desarrollando en toda familia. Esa mirada hace que esta película sencilla y sin pretensiones me haya resultado conmovedora. MARIABIB

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Una pareja urbana acampa en el bosque y se encuentran perdidos en el territorio de un oso negro depredador. En el bosque sobrevive Critica: La terminé de ver hace ya un par de noches; y aún no he podido quitar la sensación de estafa de mi cabeza. Y es que siendo una cinta entretenida en todo momento; ésto no deja de ser un drama psicológico ambientado en el bosque; y no una épica de terror y supervivencia, cómo nos había hecho creer su campaña promocional (Y es que no hay más que ver el cartel, con el oso negro acechando a la chica sobre la cascada). Los actores hacen un buen trabajo, no lo negaré. Pero el problema principal de la película es que no empatizas con ellos; principalmente porque todas las decisiones que toman, están escritas simplemente para desencadenar la tragedia durante los últimos diez minutos. La película sigue en todo momento, una línea y no se separa un ápice de ella; ni siquiera la introducción del personaje del guía logra inquietar lo más mínimo al espectador. Personaje que, por cierto, es el más interesante de todos, y sin embargo desaparece de la narración cómo quien no quiere la cosa. No es, en absoluto, un guión deleznable; sino simplemente un guión plano y carente de emociones; al que se le notan mucho las costuras y ni siquiera consigue mantenerte en vilo en ningún momento. Y es que el director trata de ser tan fiel a los hechos reales, que sacrifica las posibilidades cinematográficas de la historia en pos de resultar creíble; contando durante una hora y cuarto las idas y venidas de una pareja; y reservando para los últimos diez minutos (sin exagerar) el posible suspense que habíamos estado esperando. Y sin embargo, no genera tensión, pues sabemos como va a acabar la cosa. Ni nos emocionamos, ni sufrimos con los personajes; ni mucho menos nos asustamos. El director, que demuestra ser un maestro en el terreno visual, fracasa al no poder contarnos la historia, aunando realismo y emoción; sino que se centra solo en lo real; olvidando que nos encontramos ante una película; no un documental.

Siempre Alice

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7.5

Alice Howland, felizmente casada con tres hijos ya adultos, es una reconocida profesora de lingüística que comienza a olvidarse de las palabras. Luego de recibir un diagnóstico devastador, Alice y su familia ponen a prueba sus vínculos. Siempre Alice Critica: Hay actrices que son capaces de abarcar un amplio abanico de sensaciones con tan solo un gesto o una mirada. Una de esas grandes intérpretes es Julianne Moore, y vuelve a hacer gala de su oficio en Siempre Alice, título por el que figurará de nuevo en la primera línea de fuego de la temporada de premios. En esta ocasión, Moore defiende con sensibilidad y veracidad a una lingüista de prestigio cuyas facultades van minándose poco a poco por culpa del Alzheimer. Siempre Alice refleja la dureza del diagnóstico y la vida con la enfermedad a cuestas, el paulatino deterioro físico y sobre todo mental que Moore defiende con elegancia, sin dramatismos de más ni ningún tic histriónico. No cuesta ver la película de Glatzer y Westmoreland como una ficción modélica que puede guiar, concienciar e informar a médicos y pacientes; y a su vez, sabe despegarse de su didactismo y centrarse en un retrato familiar más que solvente. Tal vez la película carece de la potencia de un drama de Óscar, e incluso puede reprochársele su actitud comedida o el contexto 'perfecto' que rodea al personaje (al fin y al cabo, el entorno burgués en el que se mueve Alice condiciona tanto al personaje como su relación con la enfermedad), y aún así es posiblemente una de las películas que mejor ha retratado los estragos del Alzheimer (hace pocos años, Julie Christie ya defendió un personaje de coordenadas similares en Lejos de ella). Una película que deja poso. @Xavicinoscar, Cinoscar & Rarities

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7

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