Los chicos de la banda

7.3
Un grupo de homosexuales se reúne en un apartamento de Nueva York para celebrar el cumpleaños de un amigo. Cuando transcurren las horas, después de beber y de subir el volumen de la música, la velada comienza a exponer las fisuras que existen entre su amistad y el dolor auto-infligido que amenaza con hacer trizas su concepto de la solidaridad. Los chicos de la banda Critica: Hay varios aspectos que mejores críticas que ésta han ya mencionado y en los que no voy a incidir: su quizá algo excesiva duración, los diálogos veloces e interminables, la visión deformada de la vida de un grupo de homosexuales antológicamente cargados de taras y problemas... Sé que es imperfecta y muy "nicho", si se me permite la expresión. Pero no puedo sacármela de la cabeza. La he visto hace 24 horas y sigo digiriendo la amargura de las réplicas en las discusiones, la sensación de ir a la deriva de algunos personajes, la belleza "antinatural" de Matt Bomer. Es curioso porque este actor, Bomer tiene probablemente uno de los mejores personajes que desaprovecha casi por completo. No ha conseguido definirlo, casi no se entiende qué quiere o quién es. Pero transmite con elegante indiferencia el magnetismo que a veces tienen las estrellas de verdad. Parsons ha explicado en entrevistas que no conocía la obra original ni la película de Friedkin y eso me recordó a un capítulo de Will&Grace de hace muy poco en el que Will trataba de hacer entender a un jovencísimo Ben Platt lo que significaba ser gay hace 20 (o 50) años. Platt era hijo del ahora mismo, no entendía de sufrimiento, de ocultación, de vergüenza, de lucha, de vivir al filo de perderlo todo simplemente por sentirse diferente. Se quedaba en la superficie del comportamiento homosexual, del placer, pero no entendía que existió toda una subcultura cargada de referencias y de signos de reconocimiento mutuo que probablemente ya sólo existe en los libros o en la viejas películas. Este remake es un versión "coloreada" de una de esas películas. Y a Parsons (probablemente a casi todo el resto del reparto) les pasa algo parecido que a Platt. Se quedan en la superficie de lo que la película original ha contado peor técnicamente pero con más autenticidad. Esta es una versión "Murphyficada", claro. Murphy es una genio (probablemente del mal) que ha conseguido imponer un estilo visualmente soberbio y dramáticamente muy aceptable para el público, pero al que le suele faltar garra. Casi como si prefiriera entretener que emocionar. Al menos hay que agradecerle la producción que ha traído a Netflix un texto que en la versión original sería muy difícil que se viera hoy en día. La obra original trata de explicar cómo se construye una familia disfuncional en la que todos los miembros sufren profundas cicatrices que les llevan a herirse una y otra vez a sí mismos y a sus iguales. Pero sólo se tienen los unos a los otros. Por eso a pesar de la mordaz crueldad con que se tratan nadie abandona la fiesta, nadie se va ni busca en otro sitio la compañía que se les niega en todas partes completamente conscientes de la hostilidad de los que les adivinan distintos. A pesar de todo puede que tenga momentos autodestructivos o de guerra total que son casi excesivamente "amanerados", es cierto. Quizá las viejas reinas de la época se expresaran así en la intimidad. Hoy en día las hay que siguen haciéndolo. Fue una obra de incontestable valor que trascendía lo cinematográfico y que tuvo valor sociológico, pedagógico e incluso político y a la que la versión actual rinde homenaje. Una manera de rendir tributo a una generación muy desafortunada que no consiguió ver culminado su esfuerzo: de los cinco actores de la producción original que he buscado cuatro murieron por complicaciones derivadas del SIDA apenas unos años después.
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1080P Español Latino 03/10/2020 1.66 GB 81 Descargar

También te puede interesar

Cut Off

Acción Crimen Drama Intriga Suspense Terror Thriller
7.8

Luchando con su nueva vida en Nueva Orleans, Clive sigue a Trevor, un ex profesor a su casa de campo en el pantano para obtener una nueva perspectiva. Mientras Trevor ayuda a Clive a lidiar con sus demonios, Clive se ve envuelto en una misión para matar. Cut Off Critica: Está muy claro el gran vínculo del director alemán Christian Alvart con el cine de terror, pues después de firmar trabajos como Pandorum, Expediente 39 o Antikörper eso deja huella. Esta vez no dirige un film de terror puro, pues estamos ante la adaptación de la novela escrita por Sebastian Fitzek y Michael Tsokos donde narra las peripecias de un asesino en serie y un padre desesperado por salvar a su hija. En manos de otra persona esta premisa se hubiese detenido en un thriller cargado de suspense, pero Alvart usa el terror a su favor para crear una atmósfera malsana digno del mismísimo Jigsaw. El policía forense Paul Herzfeld encuentra dentro de un cadáver una cápsula metálica que contiene una serie de dígitos y el nombre de su hija. Al llamarle para comprobar qué está pasando, esta le pide auxilio, pues ha sido raptada por un asesino en serie sediento de juegos macabros. Aquí empieza una carrera contrarreloj para Paul en afán de rescatar a su hija. Me era familiar la filmografía del director Christian Alvart pero solo en su vertiente de terror, pero al descubrir Cut Off he podido comprobar que realmente tiene buena mano para trabajar en cualquier género que se proponga. Creo que la única pega al trabajo del director haya sido a la hora de adaptar la novela, pues estamos ante una trama realmente elaborada, que tal vez al tenerla por escrito facilite las cosas a sus lectores, pero al plasmar todo este entramado de nombres, situaciones, giros y lugares remotos a la pantalla por momentos puede resultar un tanto estresante. En más de una ocasión he estado a punto de sacar papel y lápiz para no perderme nada. Creo que estamos ante una cinta la cual requiere de un segundo e incluso tercer visionado puesto que todo el universo que envuelve a este macabro caso del asesino en serie está plagado de pequeñas pistas y guiños que en conjunto hacen mucho más satisfactorio el resultado final del visionado. A pesar del batiburrillo que Alvart provoca al espectador con su guion, estamos ante una película que engancha desde el minuto 1 y no permite al espectador ni parpadear, gracias a una atmósfera realmente trabajada y unos personajes carismáticos, junto a una trama que no deja nada al azar, estamos ante uno de esos thrillers que no dejan indiferente una vez llegan los títulos de crédito. Como antes dije uno de los puntos fuertes de esta cinta son sus personajes, o lo que es lo mismo sus actores, pero aunque todos están a un nivel excelso debo destacar a Moritz Bleibtreu y Lars Eidinger. El primero ya que logra que el espectador empatice con su personaje totalmente y nos muestra todo un abanico de emociones según avanza la trama. Y Eidinger porque nos regala un malo para el recuerdo, tan retorcido como Jigsaw y tan carismático como un villano de la saga Bond. Una grata sorpresa ha sido toparme con Cut Off, lo nuevo del director alemán que sigue manteniendo un nivel muy alto en todos sus trabajos. A pesar de no estar ante un film de terror 100% sí que es un thriller cargado con muchos elementos de terror que lo hacen particularmente escabroso y totalmente recomendable.

La madame

Comedia Drama
6.1

Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme intención de detenerlo. La madame Critica: La nueva película de Amanda Sthers es una comedia que reúne a un elenco internacional y de prestigio que pone frente a frente el gran talento de Harvey Keitel y Toni Collette frente a la gracia de Rossy de Palma, en una película con un buen inicio pero que pierde fuerza conforme avanza. Anne y Bob (Collete y Keitel) son un matrimonio estadounidense que reside en París, que dan una cena para miembros de la alta sociedad parisina y londinense, pero ante la inesperada llegada del hijo de Bob, quien decide quedarse a la cena y sumarse como el miembro trece de la mesa, Anne decide por superstición sumar a alguien más. La única opción disponible es María (Rossy de Palma), su ama de llaves quien es española, que inesperadamente se convierte en la sensación de la noche, enamorando a uno de los invitados despertando los celos de su patrona. En un tono de farsa perfectamente marcado desde el inicio, la película explota muy bien a sus personajes y las evidentes diferencias culturales y de clase, además de las situaciones que se van suscitando durante la cena, donde transcurren los mejores momentos de la comedia. La primera hora, que incluye la cena y los momentos posteriores, funciona bien como una comedia de enredos, el trazo de los personajes permite a los actores extralimitarse hasta acercarse con simpatía a la caricatura y generando momentos de auténtica comedia. El último tramo, sin embargo, se debilita ante la aparición del drama y el romance, donde las reflexiones sociales no terminan de funcionar y el humor se evapora, dejando a la película como un mero entretenimiento pasajero y olvidable.

Revancha

Acción Drama Familia
7.4

Pese a haber gozado de gloria y de premios en su pasado, un luchador (Jake Gyllenhaal) ha caído en desgracia. Sin embargo, no se ha rendido y ha tomado la decisión de mejorar su imagen por el bien de su mujer y su hija. Revancha Critica: Siendo el box el más cinematográfico de los deportes y que además ha inspirado verdaderas obras maestras, ahora el prolífico director Antoine Fuqua, responsable de filmes como ‘Día de entrenamiento’ o la reciente ‘El justiciero’, se anima con una película que incluye todos los tópicos de las películas de boxeadores. La historia que se cuenta es la de Billy Hope, un boxeador impulsivo y en lo más alto de su carrera a quien Jake Gyllenhaal le pone literalmente el cuerpo además del corazón, en otra de las grandes interpretaciones del actor de ‘Donnie Darko’. Exitoso, millonario y con una familia que siempre lo acompaña, su esposa (Rachel McAdams) y su pequeña hija (Oona Laurence), Billy es alcanzado por una situación extrema que cambiará su vida y carrera para siempre, ubicándolo de pronto fuera del mundo del box y con la posibilidad de perder del todo a su familia y un entorno que lo ha abandonado al caer en desgracia, hasta que aparece en su camino un entrenador viejo y quien también ha sufrido en la vida (Forest Whitaker), quien lo ayudará a reconquistar el lugar que tenía. Si bien ‘Southpaw’ sigue al pie de la letra cada uno de los clichés de películas donde boxeadores en la cima del triunfo caen en desgracia para después redimirse, Fuqua logra evadir cualquier cantidad de golpes bajos y consigue una película eficiente y noble, demostrando su oficio como buen narrador también en las escenas de las peleas de box que consiguen emocionar al espectador. ‘Southpaw’ se consolida en base al preciso trabajo de Gyllenhall, que pone cuerpo y alma en su interpretación, además de un elenco que sabe servirle de soporte y le acompañan con solvencia en un filme por momentos rutinario pero de sobra conmovedor.

Euphoria

Drama
8.2

Una reflexión sobre la adolescencia a través de un grupo de estudiantes de instituto que tienen que hacer frente a temas recurrentes de su edad, como la droga, el sexo y la violencia. Euphoria Critica: Que gran sorpresa me he llevado con esta serie de adolescentes de HBO creada por Sam Levinson, vuelvo y lo repito HBO y Netflix son los dos monstruos televisivos actuales no hay quien los supere y me encanta como compiten entre ellos, cada vez queriendo superarse con series de misma temática pero superándose entre sí, hasta ahora sigue ganando la HBO, porque si Netflix sacó un boom que después fue un fiasco me refiero a 13 Reasons Why junto con Sex Education dos series adolescentes que obtuvieron muchos halagos en su momento HBO sacó esta maravillosa Euphoria que los supera en todo. Esta serie es un ejemplo para el cine actual, trata temas de actualidad como las redes sociales, las drogas actuales, sexo en línea, pornografía, aborto entre otras cosas pero todo relacionado al mundo adolescente, lo que tanto temen los padres hoy en día, las malas influencias, las fiestas y sus consecuencias, relaciones de pareja infructuosas, todo tratado con pinzas y sin caer en lo cotidiano y aburrido, Sam Levison se manda un guión fenomenal, empezando por el inicio de cada capitulo en el que se describe detalladamente la vida de cada personaje protagónico, la serie es una delicia en todo ámbito, me la devore en 3 días por lo buena que es. Mi comparación con la exitosa serie del 2007 Skins es porque Euphoria también gira en torno a un grupo de amigos y las peripecias que suceden en cada uno de ellos, la diferencia es que está tiene escenas mas fuertes de sexo sobre todo, y trata temas de adicciones mas fuertes y las tan de moda redes sociales, de ahí es muy similar y también con un guión a la altura. Sin duda alguna serie recomendadísima que ya espero con ansias su segunda temporada, para mi estará en el top ten de mejores series del 2019.

Patton

Bélica Drama Historia
7.5

Biografía del general norteamericano George S. Patton, quien, tras vencer al mariscal alemán Rommel en el norte de África, condujo a sus tropas de manera imparable a través de Europa. Patton Critica: Franklin Schaffner es uno de esos directores que a lo largo de su carrera realizaron muy pocas películas, pero dejaron una huella indeleble en el séptimo arte. De la lista de sus catorce películas hay dos que enseguida llaman la atención. Una es "El planeta de los simios", la otra es "Patton". Ambas tienen en común el haber creado iconos cinematográficos fácilmente identificables por la sociedad. En la primera tenemos a Charlton Heston arrodillado frente a la Estatua de la Libertad en uno de los mejores alegatos antibelicistas que se han mostrado en una pantalla. En la segunda tenemos esos 6 minutos de impactante discurso inicial de George C. Scott con la bandera norteamericana al fondo. La película fue estrenada en 1970, en plena Guerra del Vietnam. Lo más curioso es que fue vista simultáneamente como burda propaganda belicista y como panfleto pacifista. Los primeros recalcaban la frases que recita Patton en su discurso o mostrándolo como si fuera el último de los héroes románticos (en una escena se dice de él es una especie de Don Quijote). Los segundos incidían en que Patton era presentado, no como un héroe, sino como una especie de psicópata egocéntrico con ínfulas de poeta que sólo era feliz en la guerra y que creía en la reencarnación. Veinticinco años después de su estreno la controversia sobre película renació, pero esta vez de la mano del director Oliver Stone. Al parecer, "Patton" era la película favorita de Nixon y quiso utilizar algunas imágenes en su película biográfica sobre dicho presidente. Según Stone, "Patton" era una incitación directa al genocidio y la consideraba una de las dos películas más influyentes sobre la historia norteamericana porque inspiró a Nixon el bombardeo sobre Camboya y Laos. Lo malo del alegato de Stone es que en su opinión la segunda película más influyente pero en sentido positivo, era su "JFK" (lo que demuestra que la modestia es una virtud de la que carece Stone). El caso es que al final Stone se quedó sin "Patton" porque el propio George C. Scott se negó en redondo a permitir el uso de cualquier escena de la película. El guión de "Patton" era inicialmente de Francis Ford Coppola, pero posteriormente se tuvo que añadir a Edmund H. North. La historia base, aunque auténtica, es arquetípica: héroe que consigue una proeza, cae en desgracia, vuelve a levantarse realizando una proeza mayor y vuelve a caer en desgracia. Volviendo a la polémica de si es una obra pro-belicista o anti-belicista. Quizás la respuesta está en uno de los diálogos de la misma película. En una escena, uno de los soldados comenta a otro - There he goes. "Old Blood and Guts". A lo que el compañero contesta - Yeah, OUR blood and HIS guts.

Midway: Batalla en el Pacífico

Acción Bélica Belico Drama Historia
6.7

1942, Segunda Guerra Mundial. Después del devastador ataque sorpresa que destruyó Pearl Harbor, la Armada Imperial Japonesa se prepara para un nuevo ataque. Pero el Almirante Nimitz y Dick Best, el mejor piloto de la armada estadounidense, preparan un contraataque al imponente ejército japonés. Dick encabezará un ataque masivo que hará que Japón se dé cuenta de su error. Una decisión que cambió el curso de la historia para siempre. Mientras estos dos titánicos enemigos emprenden una letal batalla para cambiar el rumbo de la guerra, todas las miradas se vuelcan hacia la remota isla de Midway, donde una serie de impactantes ataques aéreos y marítimos pondrán a prueba la potencia y la fortaleza de ambas naciones Midway: Batalla en el Pacífico Critica: Jack Smigth dirigió en los 70 una película bélica repleta de grandes actores como Heston, Mitchum...una banda sonora de John Williams con sus fanfarrias épicas y un despliegue técnico de primera. Una interesante super producción de las que se hacían en aquellos tiempos de tiburones, edificios en llamas, trasatlánticos volcados y ciudades que temblaban. El público se sorprendía con efectos visuales que hoy consideraríamos chapuceros pero que, para aquellos tiempos, eran prodigiosos. Eran películas con alma. Emmerich, especialista en destruir a la humanidad, disfruta rememorando aquellas gestas y aprovecha todos los avances tecnológicos para ofrecer un espectáculo impresionante en el que solo falta Godzilla, pero, por culpa, principalmente, de un guión torpe y pobre y de un grupo de actores no muy convencidos de lo que están haciendo, se queda en una pretenciosa y larga película de efectos especiales sin corazón ni alma. Como en la película de Universal Pictures de los 70, el plantel de actores deambula por la pantalla sin aportar carisma alguno y en algunos casos, concretamente Nick Jonas, dando, literalmente, pena. No es una mala película pero no resulta entretenida más que para los amantes del cine bélico. Y no es poco.