El luchador

7.5
Basada en una historia real. Después de haberse retirado del boxeo, James J. Braddock decidió volver al cuadrilátero durante los años de la Gran Depresión para poder alimentar a su familia. No era un boxeador con talento, pero su coraje, sacrificio y dignidad lo llevaron hasta la cumbre. El luchador Critica: Realización de 4 productoras (Touchtone, Universal, Miramax e Imagine), dirigida por Ron Howard. Se rodó en Toronto Film Studios y en Ontario Heritage Center (Canadá). Se basa en una historia real, adaptada por Cliff Hollingsworth. Obtuvo 3 nominaciones a los Oscar (actor secundario, edición y maquillaje). Ganó un AFI (actor principal) y 4 premios (BSFC, SAGA, SEFCA y FCSS) al mejor secundario (Paul Giamatti). Tuvo otras nominaciones. Se estrenó el 3-VI-2005. La acción tiene lugar en NY entre el 30-XI-1928 y el 13-VI-1935. Narra una parte de la historia de James J. Braddock (Russell Crowe), boxeador de origen irlandés, nacido en Nueva Jersey, tenaz y luchador. Tras unos incios prometedores, se ve arrastrado por la Depresión a la pobreza. Trabaja en los muelles de NY para mantener a la familia (mujer y 3 hijos). En 1934, su entrenador y manager, Joe Gould (Giamatti), le ofrece un combate con un adversario fuerte y bien preparado. Acepta el reto, casi imposible, y vence, iniciando un ascenso que le lleva al éxito. La película pone de manifiesto el espíritu de esfuerzo y sacrificio que inspira la vida de Jim. Presta especial atención a la integridad, honradez y nobleza del personaje, incompatible con el juego sucio y la deslealtad. Cuando advierte que su hijo mayor, Jay (Connor Price), ha sustraído un embutido del colmado, le acompaña a devolverlo. Sin pretenderlo, en 1934 se convierte en un símbolo de esperanza para los desheredados de la Depresión. Sucesivas victorias le llevan de la pobreza al triunfo, por lo que le dan el sobrenombre de "Hombre Cenicienta". La música reproduce una bonita partitura de aires celtas e irlandeses, de percusión grave en los combates y de canciones de la época, como "Don't Be That Way", de Bennie Godman. La fotografía muestra preferencia por los colores sepia y los ambientes cerrados y oscuros, que evocan la fustración del momento. La cámara ofrece elevaciones y descensos en espiral, planos picados y una narración visual de los combates sobrecogedora, no exenta de violencia. Destaca la visión de un Central Park ocupado por la miseria y un Madison Sq. Garden de techo abierto. Los decorados, realizados con medios y conocimientos, crean una excelente ambientación. El guión, bien documentado, aporta una narración densa y rica, algo sobrecargada, de gran interés. No faltan toques sentimentalistas, al gusto del director. La interpretación de Crowe y la de Giamatti son magníficas. Zellweger está discreta en un papel de contrapunto de la violencia del ring. La dirección construye una obra atractiva e interesante. La película no oculta la violencia del boxeo, dibuja con acierto el drama de la Depresión y evoca una época crítica, que el presente no debe olvidar.
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1080P Español Latino 17/10/2020 2.30 GB 27 Descargar

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Somos la ola

Drama
7.2

Un misterioso compañero arrastra a cuatro adolescentes idealistas a rebelarse contra el auge del fervor nacionalista. Sin embargo, su movimiento da un giro siniestro. Somos la ola Critica: Con su película ‘La ola’ (2008), el director Dennis Gansel asombró con una impactante fábula acerca del poder sugestivo de las doctrinas totalitarias. Un profesor de instituto proponía a sus alumnos un experimento social para descubrir los límites y aspectos más destacados de movimientos fascistoides. La propuesta se le fue de las manos, dejando en el camino no pocos interrogantes y azuzando las butacas de los desprevenidos espectadores. Bebiendo de aquella cinta, Netflix estrena ‘Somos la ola’, miniserie de seis capítulos, que cuenta con el propio Gansel como creador y productor ejecutivo. Lo que en la película fluía de manera natural, la serie lo transforma en impostado. El desarrollo de los personajes principales resulta insuficiente, a lomos de unas motivaciones personales epidérmicas, que en algunos casos sucumbe ante lo infantil. ‘Somos la ola’ intercambia la sutileza por la brocha gorda, resintiéndose los elementos dramáticos inherentes a los subtextos. Tristán (Ludwig Simon) es un nuevo alumno en un instituto de una ciudad alemana, en la que la extrema derecha se hace fuerte. Con un pasado complicado, va a ejercer un instantáneo magnetismo con cuatro compañeros de clase. Un musulmán que siente el racismo en sus propias carnes, un atormentado ante la ruina de una forma de vida, una chica acomplejada por las burlas de compañeros y una joven de bien, quizá cansada de moverse entre privilegios y comodidades, se van a convertir en sus conmilitones. Sus reivindicaciones abarcan un amplio abanico de lo que podríamos calificar genéricamente como antisistema. Anticapitalismo, ecologismo primordial, rechazo frente a todo lo que suene a elitista, cierto aire libertino y la identificación inexcusable del enemigo: la extrema derecha alemana. El proceso de radicalización de los protagonistas se deja ingredientes en el camino. No me lo creo. ‘Somos la ola’ deviene en una suerte de travesura juvenil que esconde una venganza cocinada a fuego lento, porque como reflexión política a duras penas roza lo caricaturesco. Su desenlace provoca la risa involuntaria, y lo que es peor, una segunda temporada se cierne amenazante sobre el catálogo de Netflix.

Django sin cadenas

Drama Western
8.1

Dos años antes de estallar la Guerra Civil (1861-1865), Schultz, un cazarrecompensas alemán que le sigue la pista a unos asesinos, le promete al esclavo Django dejarlo en libertad si le ayuda a atraparlos. Terminado con éxito el trabajo, Django prefiere seguir al lado del alemán y ayudarle a capturar a los delincuentes más buscados del Sur. Se convierte así en un experto cazador de recompensas, pero su único objetivo es rescatar a su esposa Broomhilda, a la que perdió por culpa del tráfico de esclavos. La búsqueda llevará a Django y a Schultz hasta Calvin Candie, el malvado propietario de la plantación "Candyland". La presencia de ambos en los alrededores de la propiedad, despierta las sospechas de Stephen, el esclavo de confianza de Candie. Django sin cadenas Critica: Ya le metió mano al nazismo, ahora tocaba el racismo y la esclavitud. Spike Lee, el defensor del pueblo afroamericano, el que decide quién puede y quién no puede hacer películas sobre negros, el que ve racismo en un código de barras y el ocasionalmente director de buenas películas, la ha puesto a parir. ¿Qué quiere decir esto? Que es excesiva, visceral y que tanto blancos como negros intercambian balazos. No controlo mucho de western, no sé si Quentin ha respetado sus códigos o se ha cagado en ellos. Yo lo que sé es que son dos horas y media de puro cine, una masterclass de dirección y una lenta (como siempre) sucesión de escenas memorables, además de una inmejorable ambientación. Está película podría haber sido de 10 si no fuera por la última media hora, cuyo aspecto impovisado pudo ser debido a los problemas que tuvo Tarantino antes, durante y después de la producción. Nos hemos perdido a un personaje que intrerpretaría Kevin Costner y posteriormente Kurt Russell. Nos hemos perdido a Joseph Gordon-Levitt, ya que el chaval quiere hacer sus pinitos en la dirección. Y nos hemos perdido a Sacha Baron Cohen, que no había hecho suficientes payasadas promocionando El Dictador. A Tarantino habría que darle un Nobel (aparte de algún Oscar, pero eso es otra historia) por descubrir a Christoph Waltz. Qué clase, qué talento, qué actorazo nos hemos estado perdiendo durante años. Suya es la función durante la mayoría del metraje. Luego está el DiCaprio más irreconocible de la historia, que se marca un papelazo como villano. Samuel L. Jackson se lleva el mejor personaje y no lo desaprovecha, su mejor actuación en lustros. Y también está Jamie Foxx, que al pobre le toca ser protagonista, personaje que Quentin no ha mimado tantos como a los secundarios. De hecho, me la repanpinfla él y su churri, yo solo quería más escenas de Christoph y Leo. No me extiendo más, las dos primeras horas se pasan voladas, con un prológo genial que el maldito trailer se ha encargado de destriparnos y con un Waltz comiéndose la pantalla a bocados. La escena del Ku Klux Klan de mercadillo merece capítulo aparte. Sublime.

La carga

Drama Historia Romance
6.4

Película histórica coproducida entre México y España que se sitúa en el año 1547, cuando México era todavía una colonia del Imperio Español. Horacio García Rojas dará vida a Painali, un indígena tameme dedicado a la carga de tributos, mercancías o personas, que arriesgará su vida al verse envuelto en una conspiración de caciques españoles. María Valverde interpretará a Elisa, una española que será la carga de los indígenas, la prueba de estos para testificar en contra de los caciques. La carga Critica: Pocas veces el cine mexicano se ha decidido a contar pasajes de la historia nacional, en mucho por los altos costos de producción, por lo que la más reciente película de Alan Jonsson (Morenita) es todo un desafío del que sale bien librado. La historia sucede en el siglo XVI, el nativo Francisco Tenamaztle (Tenoch Huerta) es un rebelde que ha sido encarcelado con la intención de llevarlo a España para ser juzgado, Elisa (María Valverde) es una joven española y la única testigo que puede ayudar al preso. Para ello, se le encomienda a Painalli (Horacio García-Rojas), un nativo tateme, que la salvaguarde y transporte desde la Ciudad de México al puerto de Veracruz llevándola sobre sus espaldas, y debiendo protegerla de los soldados enviados por el padre de Elisa, a los que guía el indígena Itzím (Gerardo Taracena), motivado por una venganza contra Painalli. La segunda película del realizador Jonsson es una entretenida cinta de aventuras y romance, con una cuidada recreación de la época y, sobre todo, con un excelso trabajo actoral. La película pierde su foco en su rebuscado diseño de producción y en la búsqueda de cierto preciosismo, además que el relato resiente en diversos momentos de una falta de ritmo ante situaciones que se perciben reiterativas. Pero en el balance general son mayoría las virtudes de la película, sobre todo la forma en que se aborda la trama romántica, de total sutileza y que no se pone por encima de la trama principal, que narra una historia interesante y que consigue ser entretenida.

Todo el día y una noche

Crimen Drama
6.4

Un joven que cumple cadena perpetua en prisión rememora las circunstancias, la gente y el sistema que lo empujaron a cometer su crimen. Todo el día y una noche Critica: *Violencia De hecho es así, la primera escena de Todo el día y una noche nos mostrará a nuestro protagonista Jahkor (interpretado por un sobresaliente Ashton Sanders) cometiendo un asesinato. Y Cole mediante una serie de flashbacks y saltos temporales nos explicará cómo ocurrió todo, y por qué acabó Jahkor cometiendo el asesinato y por ende entrando en prisión. Pero lo que Cole realmente quiere transmitirnos es la violencia estructural de los barrios afroamericanos (más duros que la propia cárcel), que viven su especie de apartheid respecto al mundo de los blancos. La violencia que Jahkor veía desde pequeño por parte de un padre que se dedicaba a las drogas, o la violencia en las escuelas que obligaban al más dócil a transformarse en bestia. El mensaje sobre el que Cole pretende cimentar toda la cinta es sobre el racismo estructural, que lo destroza todo. Que obliga a los afroamericanos a ganarse la vida como pueden. Y de una u otra forma todas las generaciones acaba dedicándose a lo mismo, y pereciendo en el mismo lugar, la cárcel (si es que antes no acaban siendo asesinados). *Jahkor Una sociedad y una infancia que trastornan completamente a nuestro protagonista, que hará las veces de narrador de la historia. Interpretado por el ya citado Ashton Sanders, que vuelve a realizar de nuevo una actuación estelar, tras la completada hace años en Moonlight. Su mirada triste y punzante, que en algunas escenas abarcara enteramente la pantalla. Todo el día y una noche es una película que sin él hubiera perdido muchísimo. La cámara en ningún instante se separa de él. El personaje es interesante porque quiere huir del mundo de drogas que transitaba su padre, y en cierto modo lo consigue. Intenta dedicarse al rap, pero la fortuna no le acompaña, y en otros trabajos el racismo le acompaña incansablemente. Todo parece empujarle a los mismos derroteros que siempre intentó evitar. *Estilo Todo el día y una noche tiñe la cárcel completamente de color azul, y fuera de ella en algunas escenas igual. El color azul acompaña a nuestro protagonista. Color asociado a la seriedad y lealtad. Dos rasgos que determinan completamente a nuestro protagonista. La música que acompaña a la cinta es casi por completo afroamericana, y casi por completo diegética, es decir, que está dentro de la ficción, en los coches, en los discos etc etc. Los personajes interactúan con ella. Hay también planos secuencia muy largos y fluidos durante la cinta, aparte de un montaje muy efectivo. *Conclusión Todo el día y una noche es una película que toca muchos temas y todos ellos muy interesantes y necesarios. Quizás el hecho de tocar tantos palos haga diluir la idea inicial, pero aun así se extraen muchas de las ideas que Cole quería transmitir. La interpretación de Ashton Sanders merece por sí misma el visionado, y se erige como lo que ya es, uno de los actores dramáticos más prometedores del momento. Escrito por Diego Gómez Ortega

Bailarina

Animación Aventura Comedia Drama Familia
7.2

Felicia es una niña que, tras perder a sus padres, vive en un orfanato en su Bretaña natal. Su pasión es la danza y sueña con convertirse en una bailarina profesional. Para conseguirlo se escapa con la ayuda de su amigo Víctor y viaja hasta el París de 1879. Allí se hará pasar por otra persona para conseguir entrar como alumna de la Grand Opera House y así luchar por tener la vida que desea. Bailarina Critica: Se trata de una película que podíamos calificar de preciosa, una delicia de animación, con unos dibujos que sin llegar a parecerse completamente a los de Disney, si guardan cierto parecido pero conservando a la vez ciertas peculiaridades y características de los diseños antiguos de Disney. Pero por supuesto con un toque particular. Sin ser excesivamente realistas son muy bellos y tanto los escenarios de la Bretaña como de París están muy conseguidos. Están llenos de luz y color, algo que parece muy adecuado para el público infantil. En cuanto a la historia y los personajes, no es que brillen por su originalidad, pero en este tipo de películas dirigidas a los más pequeños, no es eso quizá lo más importante, si no como se presenta. La idea de inculcar a los pequeños que deben seguir sus sueños como ser no es nada nueva. Pero en este caso se presenta además otro lado de la historia, el lado difícil y a la vez oscuro. El sacrificio, el duro trabajo, la competencia, la envidia, y las consecuencias de la no dedicación a lo que realmente queremos conseguir. Así como la parte moral, de pese a todo, lo bueno y lo malo, no dejar de ser uno mismo. Respecto a la música, no se trata de una película musical al estilo Disney, pero por supuesto y más tratando el tema del Ballet, está muy presente y con estilo variado. Así escucharemos desde piezas clásicas como "El lago de los cisnes" o el "Cascanueces" de Tchaikovsky, también escucharemos música folclórica celto-bretona, o canciones más modernas.

La madame

Comedia Drama
6.1

Anne y Bob son un matrimonio de americanos que acaba de instalarse en París y han decidido celebrar una cena en la que reunir a miembros de la alta sociedad americana y parisina. Ella descubre en el último momento que el hijo del primer matrimonio de su marido también ha sido invitado, haciendo así que la cena tenga trece cubiertos. Por simple superstición, decide añadir un decimocuarto cubierto y le pide a su empleada doméstica María que se haga pasar por una rica española. Pero, el exceso de vino y una sugerente conversación hacen que María se encariñe accidentalmente con un marchante de arte inglés. Anne no aprueba este romance y tiene la firme intención de detenerlo. La madame Critica: La nueva película de Amanda Sthers es una comedia que reúne a un elenco internacional y de prestigio que pone frente a frente el gran talento de Harvey Keitel y Toni Collette frente a la gracia de Rossy de Palma, en una película con un buen inicio pero que pierde fuerza conforme avanza. Anne y Bob (Collete y Keitel) son un matrimonio estadounidense que reside en París, que dan una cena para miembros de la alta sociedad parisina y londinense, pero ante la inesperada llegada del hijo de Bob, quien decide quedarse a la cena y sumarse como el miembro trece de la mesa, Anne decide por superstición sumar a alguien más. La única opción disponible es María (Rossy de Palma), su ama de llaves quien es española, que inesperadamente se convierte en la sensación de la noche, enamorando a uno de los invitados despertando los celos de su patrona. En un tono de farsa perfectamente marcado desde el inicio, la película explota muy bien a sus personajes y las evidentes diferencias culturales y de clase, además de las situaciones que se van suscitando durante la cena, donde transcurren los mejores momentos de la comedia. La primera hora, que incluye la cena y los momentos posteriores, funciona bien como una comedia de enredos, el trazo de los personajes permite a los actores extralimitarse hasta acercarse con simpatía a la caricatura y generando momentos de auténtica comedia. El último tramo, sin embargo, se debilita ante la aparición del drama y el romance, donde las reflexiones sociales no terminan de funcionar y el humor se evapora, dejando a la película como un mero entretenimiento pasajero y olvidable.